mimesis art museum

MIMESIS SE 22: 점근자연 Nearer the fountain

2025년 9월 24일(수) - 12월 7일(일)

미메시스 아트 뮤지엄에서는 차규선의 개인전 「점근자연 Nearer the fountain」을 개최한다. 차규선은 캔버스에 흙이나 물감 등으로 안료 막을 덮고, 그 표면을 긋거나 긁거나 씻어 내는 < 분청회화 > 기법으로 풍경을 그린다. 그가 흙 위에 그리는 심상 풍경은 작가가 내면화 한 풍경을 시(詩)를 쓰듯 간결한 선으로 꺼내 놓는 산수화다. 이번 전시는 차규선이 30여 년간 작품에 정진하면서 자기 내면에 생겨난 < 시 >를 회화에 포착하여 평면으로 구축해 온 차규선만의 시적 세계를 조명해 볼 기회가 될 것이다.

전시 제목인 < 점근자연 Nearer the fountain >은 차규선이 회화 작업을 통해 닿고자 하는 근본적인 것, 즉 자연과 그것에 도달하려 온 힘을 다하는 자기 의지를 담는다. 중국 동진 시대의 명장 환온(桓溫)과 문인 맹가(孟嘉)가 예술의 본질을 논하며 예술은 점점 자연에 가까울수록 그 본질에 다가선다고 한 고사에서 연유하는 < 점근자연(漸近自然) >은, 회화를 통해 자연이라는 궁극적 원형에 도달하고자 하는 차규선의 근본적 태도에 맞닿아 있다. < Nearer the fountain >의 < 샘fountain >은 오랫동안 예술로 추구하여 근원이 된 자연을 샘∙물로 대치하며, 작가가 목적지로 삼아 가까이 다가가려 하지만 결코 닿을 수 없는 지점을 의미하기도 한다. 이번 전시는 그 누구도 도달했다고 말할 수 없는 이상(理想)으로서의 자연을 담고자 하는, 한 예술가의 멈추지 않는 여정으로 우리를 초대한다.

ㅡ 형다미 / 미메시스 아트 뮤지엄 선임 큐레이터

‘MIMESIS SE’는 ‘MIMESIS Solo Exhibition’의 약자로, 미메시스 아트 뮤지엄에서 열리는 22번째 개인전임을 뜻한다.

(엽서)(리플릿_9p)79._차규선,_풍경,_2025,_캔버스에_혼합_매체,_116_×_91_㎝-압축됨_.jpg

차규선의 < 분청회화 >는 캔버스에 흙을 바르고 그 위에 흰색 물감을 덮은 뒤, 채 마르기 전에 긁어내어 분청사기를 회화적으로 변용∙확장한 화법이다. 작가는 흰색 물감의 면이 마르기 전, 화면의 전체 구성을 미리 떠올린 뒤 한 번에 그려 내며, 작업이 시작되면 중도에 멈추지 않고 몰입하면서 몇 시간 만에 완성해야만 한다. 이 몰입의 순간 긋는 획 하나하나는 사의(寫意)를 담아 (자신을 포함한) 만물에 내재한 본질로서의 자연을 표상하며, 이는 문인화적 특성을 띈다. 한 획으로 그어진 선은 나무 한 그루가 되고 곧이어 산세로 이어지는데, 전통 수묵화와 닮은 듯하나 닮지 않았다. 차규선의 선묘는 전통 산수에서 먹의 농담과 필법으로 사의(寫意)를 담은 풍경을 그려내는 방식과 맞닿아 있으면서도, 긁혀 나간 자리 아래로 드러난 캔버스 면과 그 옆에 뭉쳐진 물감의 물질성을 지닌다. 이는 감상자에게 그림 속과 바깥 사이를 오가게 하는 입체적 감각으로 와닿는다.

작가가 오랜 시간 탐구해 온 화법은 단색조를 기반으로 하기에, 그 재료가 변주되는 과정이 더욱 선명하게 드러난다. 초기의 풍경들은 빠른 필획과 뿌리기로 거칠게 휘몰아치는 숲의 바람을 담아냈다가도, 하얀 물감을 물로 뭉근하게 씻어 내어 안개 낀 듯 몽환적인 설경을 그리기도 하는 등 격정적이고 변화무쌍한 양상을 보여 준다.(「풍경」, 2008년 등) 작품은 작가의 심경을 솔직히 담아내는 기록으로도 보인다. 평생 살아 익숙한 지역을 떠나 제주라는 생소한 환경에 머무르며 썼던 일기는 캔버스 위에서 글씨로 표현되기도 하였다.(「제주일기」, 2011년 등) 작가는 일상에서 발견한 자연의 아름다움과 세속의 추함을 마주하며 그것에 반응하는 자기 내면에 집중하여 그림으로 담거나 가끔 일기나 편지의 한 구절처럼 제목을 짓기도 한다. 세상에 염증을 느끼며 그린 작품의 제목을 < 어디서 무엇이 되어 다시 만나지 말자 >로 지어 시인인 친우에게 보내자 그 화답으로 온 말을 제목으로 삼은 「그래도 볼 수 있을 때 봅시다」(2025)는 자신의 그림을 다시 새롭게 바라보게 된 (의도치 않은) 경험이 담겨 있다. 일상에서 나눈 대화가 작품을 그려 낸 과정과 겹치며, 삶 속에 작품을, 작품 속에 삶을 중첩시키는 작가의 모습 역시 그곳에 비친다.

차규선은 흙을 칠하고 하얀 분을 발라 매일의 시(詩)를 그린다. 손가락을 들어 흙바닥에 선을 긋는 인간의 그리기 본능이 지금까지도 새롭게 감각된다는 점이 인상적이다.

MIMESIS SE 23: 맞-닿은 자리 Where Traces Meet

2025년 9월 24일(수) - 12월 7일(일)

미메시스 아트 뮤지엄은 이영호의 개인전 「MIMESIS SE 23: 맞-닿은 자리 Where Traces Meet」를 개최한다. 이영호는 일상에서 마주하는 대상이 현존하는 방식을 탐구해 왔다. 작가는 관찰한 존재가 고정된 실체가 아닌, 끊임없이 변모하는 현상 속에 있다고 보고 대상의 주변부에서 생성과 탈각의 흔적을 포착한다. 그의 작업 방식은 조리개를 활짝 열고 셔터 속도를 늦춰 피사체의 미묘한 흔적까지 기록하는 촬영 기법을 떠올리게 한다. 이는 주변의 사소한 것을 있는 그대로 바라보고 그 본질을 고스란히 기억하기 위한 방식으로 볼 수 있다. 작업 초기에는 세포처럼 미시적이고 드러나지 않는 경계의 이면에 시선을 두었으며, 점차 피부나 껍질과 같은 경계의 표면으로 시야를 확장해 나갔다. 이번 전시는 최근작에서 초기작으로 거슬러 올라가는 구성을 통해 작가가 대상의 흔적을 탐구해 온 여정을 되짚어 보고자 한다.

전시의 제목 < 맞-닿은 자리 >는 일상의 평범한 대상을 온전히 바라보려는 이영호의 포용적 태도를 함축한다. 작가의 작업은 자신과 사물의 시선이 마주하고 닿았던 순간으로부터 출발한다. 서로가 바라보고 보이는 관계에서는 주체의 입장에서 상대를 객체로 단정 짓지 않고 스스로와 동등한 존재로 인식하게 된다. < 맞-닿음 >은 무심코 지나치는 것과 마주 봄이 이루어진 찰나를 내포하며, 시선의 접촉을 촉각적으로 드러낸다. 작가의 시선이 머문 곳은 흔적이 쌓인 공간이자 시간이 축적된 < 자리 >다.

ㅡ 최연 / 미메시스 아트 뮤지엄 큐레이터

‘MIMESIS SE’는 ‘MIMESIS Solo Exhibition’의 약자로, 미메시스 아트 뮤지엄에서 열리는 23번째 개인전임을 뜻한다.

2.섬성(islandness)_장지에_목탄,_먹,_돌가루,_140_.2_X_194cm,_2022_이영호_CV텍스트_옆페이지_.jpg

이영호는 현대 사회에서 이분법적으로 구분될 수 없는 다양한 영역과 다름을 끌어안으며 유연한 경계에 관심을 가져왔다. 작업 초기에 작가는 대상의 드러나지 않는 내부를 응시했다. 생명의 최소 단위인 세포를 직접 관찰하고 화면에 옮긴 것이 한 예다. 그의 작품 속 자가 세포는 다른 것에 종속되지 않고 그 자체로 성립하는 한편, 다른 세포와 존재를 맺기도 한다. 이와 더불어 그는 「감춰진 것을 드러내는 Interprète」(2018)에서 낮과 밤이 교차하는 찰나, 수평선 근처에서 드물게 관측되는 녹색 광선을 소재로 삼아 서로 다른 세계가 맞닿은 순간을 담아내기도 했다.

이후 작가의 관심은 안과 밖, 사물의 표면으로 확장되었다. 이는 「감춰진 것을 드러내는 Interprète」 연작 중 자신 주변의 장소를 바탕으로 한 작품에서 구체화된다. 백령도의 북방 한계선 부근, 육지와 바다가 만나는 갯벌, 눈으로 뒤덮인 자연 등 그 주변에서 발견되는 사물의 껍질과 표층에 그의 시선이 맺힌다. 작가는 인간 중심적 시선으로 대상을 재단하지 않고, 다양한 식생이 뒤섞이고 오랜 시간 축적과 침식을 거듭한 자연의 흔적을 응축했다.

아울러 「섬성 Islandness」(2022)에서 작가는 일상 속 인공 구조물에서 나타난 현상을 채집했다. 버스 정류장의 유리 지붕에 고인 빗물과 증발 후 남은 침전물이 작품의 모티프가 되었다. 생태계를 이루는 작은 섬처럼 보이는 화면을 들여다보면, 이는 흰 바탕에 불규칙하게 찍힌 점들의 집합체라는 것을 알 수 있다. 관람자는 작가가 새긴 흔적을 단일한 이미지가 아닌 시간과 생태 흐름이 어우러진 장면으로 경험하게 된다.

이영호의 작품에는 재료적 측면에서도 존재가 형성되고 소멸하는 본질적인 과정이 고스란히 담겨 있다. 작가는 평면처럼 보이는 화면에 < 지지체 >를 구축한다. 장지에 아교와 호분, 돌가루가 반복적으로 칠해지고 건조되며, 그 위에 목탄이 쌓이고 먹이 침투되는 방식이다. 자연 재료가 켜켜이 지층을 축적하면서 지지체 사이에 공기가 순환하고 호흡하는 구조를 갖게 되고, 동시에 불에 타 생을 다한 나무는 작업의 재료가 되어 생명 순환의 과정을 이어 간다. 이처럼 그의 작품은 보이지 않는 시간의 흔적을 물질로 환원한 것과 같다. 목탄이 남긴 미세한 입자와 파편까지 화면의 일부로 수용하는 이영호의 태도는, 그가 세계를 관계와 과정의 장으로 이해하고 있음을 드러낸다. 그의 작품은 완결된 하나의 형상이 아니라 불확실한 대상들이 어떻게 상호 작용하며 지속하는 힘을 갖는지, < 우리 >가 살아 움직이는 현장을 보여 준다.

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